Wookie feat. Andere

Wir lassen The Breakdown wieder auferstehen und zeigen Ihnen alle Teile eines Dance-Music-Klassikers. Um den Motor neu zu entfachen, kehren wir in die Zeit der Jahrhundertwende zurück und behandeln einen echten Garagenklassiker mit „The Breakdown“.

Im Jahr 2000 veröffentlichte der in London ansässige Produzent Jason Chue – alias Wookie – einen Track, der den schnell wachsenden britischen Garage-Sound perfekt mit einem gefühlvollen Gospel-Einfluss verband.

Bei seinem Debüt erreichte „Battle“ Platz 10 der britischen Single-Charts und stieg in die Top 100 vieler europäischer Länder ein, was Chues Platz als einer der Pioniere und Innovatoren von UKG festigte. Es enthält den Gesang von Lain und wurde im Londoner Studio der Disco-/Funk-/Soundsystem-Legende Soul II Soul aufgenommen, wo Wookie als Autor und Produzent tätig war.

Musikalisch ist „Battle“ eine emotionale Achterbahnfahrt, die von sarkastisch klingenden, musiktheaterartigen Gesangsabschnitten bis hin zu tiefen FM-Bass-Drops reicht. Es gibt auch Gesangsrefrains im Kirchenstil, Tonartwechsel in der Mitte des Tracks und vieles mehr.

Das mag komplex klingen, aber in Wirklichkeit ist der Track ein wahres Beispiel für den „Weniger ist mehr“-Aspekt der Produktion. Kleine Dinge haben große Auswirkungen.

Wenn jemals jemand argumentiert, dass ein Banger mindestens 30 Audio- und MIDI-Spuren benötigt, können wir Ihnen getrost empfehlen, ihm diesen Track vorzuspielen! Kick, Hats, Snare, Bass, Funky Keys, ein Drone, Streicher, Gesang und schon kann es losgehen …

Da es als eine der großartigsten UKG-Produktionen aller Zeiten gilt, werden wir „Battle“ der vollständigen Breakdown-Behandlung unterziehen und uns alle seine Teile ansehen, einschließlich der Melodien der Lead- und Backing-Vocals.

IntroDrums & FM BassB SectionVocals & Harmonies

Über fünf Minuten hinweg besteht das Lied aus zwei Hauptabschnitten; ein Intro, ein B-Abschnitt und am Ende wird der Intro-Abschnitt wiederholt. Die erste Minute ist definitiv irreführend, denn sie klingt fast sarkastisch fröhlich, mit einem Dur-Akkord, der vom Bordun gespielt wird, und einem sehr kitschig gezupften Streicherpart. Ein DJ, der mehr „krasse“ Tracks spielen möchte, überspringt vielleicht sogar diesen Song, nachdem er dieses Intro gehört hat!

Der Bordun besteht aus den A#-Dur-Dreiklangnoten A#, D, F, wobei gelegentlich auch D-Noten ein- und ausgehen. Es wird im gesamten Track verwendet, wobei die Oktave an verschiedenen Stellen angehoben wird. Wir haben Abletons Chord Eno Pad-Voreinstellung verwendet, um es nachzubilden.

Die gezupften (oder Pizzicato-)Saiten betonen auch A#, indem sie die Note bei jeder Viertelnote spielen. Für diesen Sound haben wir die Voreinstellung „Pizzicato String Instrument“ von Ableton verwendet, aber jedes Saiteninstrument mit einer Pizzicato-Ausdruckseinstellung würde den Job erledigen.

Für sich genommen klingt es fast wie eine Einleitung zu einer Anzeige!

Wenn der Hauptgesang einsetzt, imitiert er den Rhythmus und die Noten der Streicher, was den offenkundig fröhlichen Aspekt des Abschnitts noch verstärkt. In den Beispielen werden wir einen Synth-Lead-Sound verwenden, um die Melodienoten des Lead-Gesangs zu spielen.

Hier sind alle drei Laute zusammen:

Vor dem ersten Bassabfall bei 0:59 taucht der Hintergrundgesang auf, um für etwas Spannung zu sorgen. Der erste überlagert die A#-Note des Hauptgesangs mit einer D-Note und der zweite fügt eine sich wiederholende F-Note hinzu. Zusammen bilden die drei wieder den A#-Dur-Dreiklang.

Hier sind alle Vocals zu hören, wobei auch die Streicher mitspielen (für den Backing-Gesang haben wir einen Klavierklang verwendet):

Wir sprechen hier über Musiktheorie, aber die Hauptaussage ist, dass alle Teile die einfachste Form des A#-Dur-Akkords betonen und dadurch eine fröhliche und leicht kitschige Stimmung entsteht. Dies ist wegen der kontrastierenden Teile, die später kommen, wichtig zu beachten!

Das Schlagzeug in diesem Track ist eines der größten Beispiele für wirkungsvolle Einfachheit. Es gibt keine ausgefallenen Fills oder Percussions und der Fokus liegt ausschließlich auf dem gleichen, sich wiederholenden Kick-Hats-Snare-Groove.

Der offensichtlich UKG-artige Beat ist vier Takte lang und der einzige Teil, der zwischen den vier Takten leicht variiert, ist der Kick. Ansonsten spielen die Close Hats gerade Sechzehntelnoten, es gibt eine klassische offene Hi Hat auf jedem Auftakt und die Snare schlägt auf der Zwei und der Vier jedes Takts.

Der Trick, der uns ins Garagen-Territorium führt, besteht darin, diesem Muster etwas 16tel-Swing hinzuzufügen – wir haben Abletons „Swing 16ths 57“-Groove verwendet, der auf das gesamte Rack angewendet wurde.

Hier ist der Beat mit Swing:

Und hier ist es ohne Schwung:

DerDer Unterschied ist subtil, aber es verändert buchstäblich das Genre des Tracks!

Apropos Genre-Merkmale: Einer der klassischsten Bass-Sounds in UKG ist der FM-Bass. Dieser Sound erlebte in den 2010er Jahren weltweit einen großen Aufschwung im kommerziellen House, aber es lässt sich nicht bestreiten, dass die britischen Tanzflächen den FM-Sound schon immer genossen haben.

In Battle erscheint die FM-Basslinie bei 00:58 und spielt solo mit dem Schlagzeug. Der Sound ist so kraftvoll, dass es ausreicht, diesen Abschnitt als Drop zu betrachten! Darüber hinaus klingt es, obwohl es sehr ähnliche Töne wie die gezupften Saiten spielt, einfach intensiver.

Wir haben die Basslinie mit Abletons treffend benanntem FmHouzBass-Preset nachgebildet. Die wichtigsten zu optimierenden Parameter sind Filter Cutoff und Filter Env, da die Hüllkurve entscheidend für den Charakter des Klangs ist. Wenn Sie darauf achten, können Sie im gesamten Battle eine Menge Automatisierung dieser Parameter hören.

Hier sind Bass und Schlagzeug zusammen:

Während diese Basslinie weitergeführt wird, kehren die zuvor betrachteten Vocals, Streicher und Borduntöne darüber zurück.

Bei der 1:40-Marke, nach dem zweiten Höhepunkt der Backing-Vocals, gibt es einen Kick-Fill und wir befinden uns in einem brandneuen Funk-Abschnitt. In diesem Abschnitt werden eine neue Akkordfolge, Keyparts, eine schwungvollere Basslinie und ein viel melodischerer Gesangsstil für die Hauptstimme eingeführt.

Hier ist unsere Nachbildung dieses Abschnitts ohne Gesangsparts:

Die Akkordfolge ändert sich vom einzelnen A#-Dur-Akkord zu einem C-Moll-G#-Dur-Muster. Selbst das ist ein gewaltiger Unterschied, denn Sie wechseln von einem sehr fröhlichen Singular-Dur-Akkord zu einer ernsthafteren Moll-Akkordfolge.

Der Verlauf wird vor allem durch die Basslinie deutlich, die nun viel geschäftiger ist und zeitweise einige Variationen oder Fills spielt.

Hier ist die Hauptbasslinie:

Und hier sind einige seiner Variationen:

Die Keys sind der andere Protagonist dieses Abschnitts und treiben den Funk auf ein unheiliges Niveau! Höchstwahrscheinlich wurden sie mit einem Rhodes- oder Wurlitzer-Keyboard aufgenommen, die in Londoner Studios übliche Geräte waren und sind.

Der rhythmische Aspekt steht im Vordergrund, aber auch die Notenwahl ist recht clever. Der Tastenspieler spielt im Grunde verschiedene Variationen eines C-Moll-7-Akkords, der die Noten C, D#, G und A# enthält. Diese Noten sind alle auch Teil des zweiten Akkords Gis-Dur, daher funktioniert es für beide Akkorde.

Das einzige Mal, dass sich dies ändert, ist ganz am Ende des vierten Takts, wenn ein Übergangs-H-Dur-Akkord verwendet wird. Dieser Akkord ist nicht einmal in der c-Moll-Tonleiter, es handelt sich also um einen sehr komplizierten Trick, der gut zum ersten Takt zurückführt.

Konzentrieren Sie sich wieder auf den Rhythmus: Wenn Sie nur auf die Tasten des Schlagzeugs hören, können Sie hören, wie gut sie die Lücken füllen, die durch Kick- und Snare-Schläge entstehen, und gleichzeitig die Hauptschläge an verschiedenen Stellen einfangen. Wenn man einen so guten Groove hat und dann noch eine schwungvolle FM-Basslinie hinzufügt, kann man wirklich nichts falsch machen.

Im B-Abschnitt spielen die Vocals eine viel melodischere Rolle, im Gegensatz dazu, wie im ersten Abschnitt, jeden Downbeat strikt zu treffen.

Hier ist die Gesangsmelodie über der B-Sektion:

Sie werden feststellen, dass die Gesangsnoten hier viel länger und verteilt sind, verglichen mit allen Musikteilen, die auf viel schnelleren und geschäftigeren Sechzehntelnoten basieren.

In der zweiten Hälfte des B-Abschnitts kommen Backvocals hinzu und bauen eine große Gesangsharmonie auf. Es hört sich an, als gäbe es zwei zusätzliche Harmonien. Die erste überlagert die Noten des Leads mit einem perfekten Quartintervall und die zweite überlagert die Noten des Leads mit einer höheren Oktave.

Das heißt zum Beispiel, wenn der Lead das F singt, singt der erste Backvocal A# und der zweite Backvocal das höhere F.

Hier ist der Hauptgesang (Synthesizer-Lead) mit dem Hintergrundgesang (Klavier) im Solo:

Dies ist eine Technik, die in Hunderten von Jahren der Gospelmusik verwurzelt ist und sofort das Wort „gefühlvoll“ in die Mischung einbringt. Es funktioniert sogar noch besser aufgrund der Texte, in denen es um die Hinwendung zum Glauben angesichts der täglichen Kämpfe und Schlachten geht.

Hier sind die Gesangsharmonien zusammen mit den musikalischen Elementen der B-Sektion:

Bei 3:12 gibt es einen weiteren großen Gesangsharmonieabschnitt – dies ist ein kurzer Bridge-Abschnitt – und er verwendet die gleiche Harmonietechnik der Stapelung perfekter Quarten und Oktaven.

Ab diesem Zeitpunkt werden auch die Gesangsadlibs immer häufiger, bis wir bei 4:10 zum Intro-Abschnitt zurückkehren.

Wookies großartige Arrangementfähigkeiten erzählen wirklich eine Geschichte unter Verwendung aller Elemente, die wir uns angesehen haben. Das Ergebnis ist ein einzigartiger und treibender UKG-Knaller, der dem Zuhörer ein Gefühl von Aufregung, Coolness, Energie und Positivität verleiht – alles auf einmal!

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